THE WORK OF ART
The work of art is an object as well as a historical event. To describe and analyze it we use categories and vocabularies that have become more or less standard and that are indispensable for understanding this book.
General Concepts
Form, for the purposes of art history, refers to the shape of whatever is the object of art; in the made object it is the shape that the expression of content takes. To create forms, to make a work of art, artists must of course shape materials with tools. Of the many materials, tools, and processes available, each has its own potentialities and limitations, and it is part of the artists creative activity to select the ones most suitable to their purpose .The technical processes they employ as well as the distinctive, personal way they handle them, we call their technique. If the material artists use is the substance form. Form, technique , and material are interrelated ,as can be readily seen in a comparison of the marble statue of Apollo from Olympia with the bronze Charioteer from Delphi .The Apollo is firmly modeled in broad, generalized planes reflecting the ways of shaping stone that are more or less dictated by the character of that material and by the tool used-the chisel .On the other hand, the Charioteerrsquo;s fineness of detail ,the crisp, sharp folds of the drapery, reflect the qualities inherent in cast metal. However, a given medium (the material used) can lend itself to more than one kind of manipulation .The technique of Lehmbrucks bronze Seated Youth ,for example, contrasts strikingly with Rodins The Thinker, also bronze .The surfaces of Lehmbrucks figure are smooth, flowing, quiet, while those of Rodins are rough ,broken, and tortuous. Here it is not so much the bronze that determines the form as it is the sculptors difference of purpose and of personal technique.
Space, in our common-sense experience, is the bounded or boundless 'container' of masses of objects. For the analysis of works of art we regard it as bounded and susceptible of esthetic and expressive organization. Architects provides our commonest experience of the actual manipulation of space, while the art of painting frequently has had the purpose of projecting upon a two -dimensional surface an imagine of the three -dimensional spatial world we move in.
Area and plane, terms that describe limited, two -dimensional space, generally refer to surface. A plane is flat, two-dimensional–like this page and like elements dealt with in plane geometry, such as a circle, square, triangle. An area, also describable in terms of plane geometry, is often a plane or flat surface that is enclosed or bounded. Bernini, when he defined the essentially plane surface in front of St Peters by means of his curving colonnades created an area..
Mass and volume, in contradistinction to plane and area, describe three-dimensional space. In both architecture and sculpture, mass is the bulk, density, and weight of matter in space. Yet the mass need not be soiled; it can be the exterior from of enclosed space. For example, 'mass' can apply to a pyramid, which is essentially solid, or to the exterior of the Hagias Sophia, which is essentially a shell enclosing vast spaces. Volume is the space that is organized, divided, or enclosed by mass. It maybe the spaces of the interior of a building or the intervals between the masses of a building or between those of a piece of sculpture, ceramics, or furniture. Volume and mass describe the exterior as well as the interior forms of a work art the forms of the matter of which it is composed and the forms of the spaces that exist immediately around that matter and interact with it. For example, In the Lehmbruck statue referred to above, the expensive volumes enclosed by the attenuated masses of the torso and legs play an important part in the open design of the piece. The absence of enclosed volumes In the Rodin figure equally expressive–closes the design, making it impact, heavy, and locked-In. Those forms _the closed and the open _manifest through the history of art, demonstrate the intimate connection between mass and space that surrounds and penetrate it.
In the definition of mass and volume, line is one of the most important yet most difficult terms to comprehend fully. In both science and line. Can be understood as the path of a point moving in space, the track of a motion. Because the directions of motions can be almost infinite, the quality of line can be incredible various and subtle. It is well known that psychological responses attach to the direction of a line _a vertical line being positive, a horizontal one passive, a diagonal suggestive of movement, energy, or unbalance, and so on. Hogarth regarded the serpentine or S-curve line as the 'line of beauty. Our psychological response to line is also bound up with our esthetic sense of its quality. A line may be very thin, wire like and delicate, giving a sense of fragility, as In Klees Twittering Machine. Or it may alternate quickly from thick to thin, the strokes jagged, the outline broken, as in a 600-year -old Chinese painting; the effect is of vigorous action and angry agitation. A gentle, undulating but firm line, like that In Picassos Bathers, defines a contour that is restful and quality sensuous. A contour continuously and subtly contains and suggests mass and volume. In the Picasso drawing the line is distinct, dark against the white of the paper. But line can be felt a controlling presence in a hard edge, profile, or boundary created by a contrasting area even when its tone differs only slightly from that of the area it bounds. A good example of this is to be seen in the central figure of the goddess in Botticellis Birth of Venus.
When a line serves as an element along which are organized, it is known as an axis. The axis line itself need not be evident, and there may be several, as in
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艺术作品
艺术作品是一个对象，以及一个历史事件，我们使用类别和词汇描述和分析它，这也已成为或多或少的标准，并且对于理解这个艺术作品是必不可少的。
一般概念：
形式对艺术史而言，是指无论是任何艺术的对象的形状，在取得对象是该内容的表达需要的形状。当然，艺术家用不同的材料与工具来创建一定形状让艺术作品附有形式。许多材料，工具和可用流程，每个人都有自己的潜力和局限性，它是艺术家的创造性活动，选择那些以他们的目的最适合的一部分。他们采用的技术工艺以及他们处理这些与众不同的，个性化的方式，我们称之为他们的技术。如果艺术家使用材料的物质形式。那么形式、技术、材料是相互关联的，因为可以很容易地看到从奥林匹亚阿波罗大理石雕像与来自德尔福的青铜御夫的比较。阿波罗牢牢地广泛仿照，反映塑造石头或多或少地受到该材料的性质和所用的工具。另一方面，惟妙惟肖的细节，轻巧的打磨方式，衣纹的折痕，反映了固有的铸造金属的特质。然而，给定的介质（使用的材料）可以适合以一种以上的操控。例如，抵达林布鲁克的青铜青年的坐像的技术，对比与罗丹的思想者，都是使用的铜材料。然而抵达林布鲁克的青铜青年的坐像身影表面光滑，流畅，神态安逸，而罗丹的是粗糙和曲折的。这还不如说是铜决定形式，因为它是个人技术的造诣和雕塑家的差异。
空间，在我们常识性的认识是物体的有界无边的“容器”。对于艺术作品的分析，我们认为这是有界的，是被审美与表现力来组织的。我们常见的空间是建筑师对实际操作的认知，而绘画艺术经常不得不用投射二维表面想象这三维空间的世界，就是我们绘画艺术的目的。
用表面和平面来描述有限的条件，而二维空间一般指的是表面。A面是平坦的，二维的，像这样的面并不像平面几何处理元件，诸如圆形，正方形，三角形的表面区域，也可描述为平面几何。通常在一个平面或是封闭的或有界平面外表现。贝尔尼尼，当他在圣彼得前面用他的弯曲的柱廊来定义平面的表面形成一个基本区域。
质量和体积，在对比平面和表面，则是用来描述三维空间的。在这两种体系的结构，雕塑质量堆积、密度和重量表现在空间中。然而，质量不一定是实芯的;它可以是从封闭空间外部来表现的。例如，“质量”可以应用到金字塔，它本质上是实芯，或圣索菲亚大教堂，它本质上是一个封闭的外壳广阔空间的外部。全是有组织的，或通过质量封闭的空间。金字塔建筑物的室内或建筑物或那些一块雕塑，陶瓷，或家具之间的间隔空间。体积和质量描述外部以及内部形成一个工作艺术的事宜，它是形式和围绕存在的问题，并与之交互的空间的形式。例如，在抵达林布鲁克雕像上面提到，由消减躯干和腿包围的昂贵中发挥重要作用。在片的开放式设计里由于没有封闭的卷在罗丹的身影中，同样表现的关闭设计，使得它的影响沉重而锁定的。这些形式的封闭，是通过艺术史的开放清单来证明质量和空间环绕和穿透它们之间的密切联系。在质量和体积的定义中，线是充分理解的最重要但最困难的方面之一。用科学理解线，可以理解为一个点在空间中运动，运动的轨道的路径。因为运动的方向几乎可以无限的，线的质量可以令人难以置信的各种微妙。公知的是反应附加到线的垂直线的方向为正，水平被动运动，能量或不平衡的对角暗示，依此类推。霍加斯把蛇形或S形曲线作为“线美感”。我们的线反应也必然其品质的美感。 A线可以非常薄，线状细腻，给人脆弱的感觉，因为在克利的呢喃机中它可能会很快交替从厚到薄，参差不齐，轮廓打破。又因为在一个有600年历史的中国画中，线的效果是积极的行动和愤怒的激动，也有温和，起伏但强硬。好像在毕加索的泳客中定义了一个轮廓是宁静和质量感官的线。一个轮廓不断变换包含并影响质量和体积。毕加索画的线是不同的，黑暗与纸张的白色。但线可控制存在硬边和形式，或者通过对比区域创建边界，即使它的基调不同且仅略低于其边界的地区。这方面的一个很好的例子是在金星波提切利的诞生女神的中心人物画像。
当一条线作为该组织的元素，它被称为一个轴。轴线本身不必是明显的，并且可能有几种，如在城市综合体里它们就是所有的艺术。使用轴复合物的一个很好的例子，就是它们出现在所有的艺术作品里。大型建筑采用轴线的一个很好的例子是凡尔赛宫和宏伟花园的计划。轴垂直，水平。对角线也是绘画的一个重要组成部分，从艺术家的角度来看，不超过轴以下，是在空间组织形式的方法之一，但我们使用透视效果时主要在于创建深度或空间的幻觉在一个二维表面上。西方的单点透视，是意大利文艺复兴时期的发明，我们往往看到在一个点到一个点的条件是由那些线来衔接，标志着形式。从递减大小的角度来看，作为绘画空间那么他们就是退入距离。文艺复兴时期巴洛克艺术家创作的角度的杰作表现在莱昂纳多的最后的晚餐。例如，透视的线条处理，让他们收敛，在前台投影画面的空间进入房间的墙上画的出现，创造了错觉，以为画面的空间和房间是连续的。然而，我们必须记住，文艺复兴时期的观点是在古希腊和罗马就有了的。其中的一些其它系统，以及文艺复兴透视，还在继续使用。还没有最终完全正确的看到我们“实际”的投影。
比例的处理关系是很重要的一部分工作。精确的比例我们是很熟悉的，我们似乎认识到一次性的特性时,就会说人类的脸部或身体“不成比例”。如果脸上的鼻子或耳朵太大或者身体的腿太短，或者传统意义上的一种本能反应比例使我们觉得曾经认为不成比例，那我们就会认为是可笑的或丑陋的。形式化比例是大小的一部分，是艺术作品中数学关系的其他表现,以及整体的部分,这意味着使用分母常见的各个部分。最近已被证明,伦纳德《最后的晚餐》的主要元素显示比例就是音乐12:6:4:3谐波比率。发现这些数据的宽度,分别的绘画、天花板、罕见的墙和三个窗口;他们也适用于垂直组织绘画。伦纳德发现比例无处不在,“不仅在数量和措施中,而且在声音、重量、间隔、时间,并在每一个微妙的地方都存在”。古希腊人他们知道美是“正确”的比例,寻求最佳的比例,不仅在音乐,而且对人类的身体各个部位都很重要。著名的佳能综合就表示多莉的星座雕像,提供了一个正确的比例。但应该注意的是这与经典的比例不同,偶尔艺术家故意用不相称的文化。一部分艺术史的学生把感知和适应这些差异作为任务，领导者便了解宇宙的艺术形式。比例关系通常基于一个模块、一个维度、建筑物或其他工作的各个部分都是分数或倍数，这可能是柱的直径,人体的高度,一个抽象的计量单位。例如9世纪修道院圣丹的脚,模块化的基础结构就是所有部分的倍数或这一维度的分数。比例指的是空间关系的部分工作的完全形式,但通常而言,恰当使用其功能就如同我们不认为私人家里需要一个办公大楼,也不是一头大象在动物园的房子的大小和鸡窝差不多一个道理。这个意义上的比例是必要的，是建设在所有艺术形式上的。最常见的不一定是人类出比例规模形成图。形式是我们开始这个列表的基本概念,现在主要介绍光。光的作用在自然的世界中太普遍了,我们经常是理所当然的享受着,还有少数人意识到非凡的变化造成的光是否是自然或人工创造我们最熟悉的环境。如日光随着小时或季节变化。一些东西实现全光影响的程度和形式。法国画家莫奈,他画睡莲池中的倒影根据他们的季节性变化。画布鲁昂大教堂的外观显示其20多个变化方面是从不同的季节的黎明到黄昏。光是一个重要的知觉形式，是由物质传播的形式。在绘画里光的一个功能是无形的,一般对平面艺术来说,无形指的是轻盈的光量从一个表面反射。光是主观的意识,在绝对条理中测量,由光电装置中心发射到这个图是统一的。然而在哪里附近一个黑暗的区域,它看起来更轻,反而和相邻的亮的地区更深。
光的基础为明暗对比,斯库罗指的是光明与黑暗之间的渐变过程,建模的影响,或从三维表面反射。例如伦纳德的圣母和圣安尼精湛的呈现。对这两个的分析中有一个重要的区别那就是艺术的领域:自然光线或阳光全部添加,然而这就是画家的光线折射。在我国用颜料和对象勾勒出虚拟的光。自然光线的波长的总和构成可见光谱,这可能是拆卸或分散到各个颜色的光谱带。(最近的实验激光灯辐射的受激发射来放大就会产生令人难以置信的辉煌的颜色和强度,打开色彩构成直到现在不怀疑它的可能性。颜色的范围和强度产生了这样的方法,虽然存在相当大的距离,那些太阳光)。虽然色彩的审美主要是艺术家的本分,通常可以真正体验和理解只有通过强烈的实践和实验,某些方面的敏感分析和系统化。油漆颜料出示个人色彩反映一段例子,减去或抽象中的所有光的光谱,除了我们看到的绿色,它反映了。(在这样的情况下,传播而不是反射光的颜色问题,在彩色玻璃块或屏幕的所有波长、光谱,但看到的是别的颜色。)因此,从理论上讲,颜料的混合物包含所有的颜色，光谱将减去所有光在形成它,这将是黑色的形成。事实上,这种色素的混合物从未产生深灰色。 颜色的名称有蓝色、黄色，尽管光谱的颜色融入对方,但是通常艺术家想象他们的公共部分不同于对方,这引起了很多不同的设备为代表的颜色关系。基本上有两个变量明显颜色的光线反射和明显的纯洁,这样改变人们的看法就必须发生改变。有些术语对这些变量的价值、调和色度、饱和度、强度有影响。例如一些比较重要的图颜色的关系是三角形,归因于红、黄、蓝(原色)三角形的顶点,和橙色、绿色、紫色(二次颜色）彼此相反的颜色被称为互补,因为他们互相补充或完成另一个,每个吸收那些其他的颜色,留下一个中立的灰色以适当的比例混合。内部的三角形是这种混合的产物。颜色也有一个心理维度,红色和黄色,很自然,有温暖的连接,和蓝色和绿色,凉爽。一般来说,似乎暖色,冷色,退去。
质量的表面粗糙,光滑,硬,软,闪亮的光结构揭示了一样无聊。许多绘画媒体和技术允许建立一个各种各样的纹理。艺术家可以模拟材料任意表面的纹理差异,即使使用画布以外的其他材料,如藤椅毕加索的静物画。
专业概念：
我们一直在讨论的条款对所有视觉艺术的连接。某些观测,然而,相关的一类艺术努力以架构,或绘画,或雕塑。
建筑作品的一部分我们的环境,我们接受,很少注意到他们,直到召唤我们的注意力。人们长时间认识如何封闭空间生活的多种用途。所有的艺术在建筑空间方面是最明显的。架构师进行分组的密闭空间和封闭质量,保持总是记住组成的功能,它的 建筑和材料,当然它的设计,另外两个的关联。我们经历建筑视觉和通过运动和围绕它,以便建筑空间中以图形的方式表达和大规模建设几个方面,遵循的原则。 计划本质上是一个地图的地板上,显示的位置结构的质量,因此,他们一定的空间和封闭。一段,就像一个垂直的计划,显示了群众的位置好像建筑是独自穿过一个飞机是一个主要的轴。海拔,外部或内部墙的正面视图,显示其特性和之前经常之外的其他元素,将可见或墙上。
我们反应构建的范围可以从简单的安慰惊奇和敬畏,这样的反应是我们的建筑经验的产物的功能,建筑和设计。我们教堂有不同的反应,一个体育馆和一个办公楼。首先,我们为了体验的运动需要一个建筑将广泛和深刻的要求不同 另一个经验。这些运动将控制的连续性或不连续的计划,或通过其轴的位置。中央计划——例如,在一个从中心点辐射,在罗马的万神殿我们感知整个空间实体,而在基督教教堂或哥特式大教堂长轴向计划我们的注意力往往集中在一个给定的点——改变东端的殿。可以相互关联的,质量和空间,产生伟大的复杂性,影响,例如,在拜占庭教会的克拉西奇或在朗香教堂勒·柯布西耶的教会。因此,我们的经验的建筑将大量材料和正式的因素的结果,包括培训和知识和我们永恒的和心理构成,功能在我们的经验中任何的艺术作品。
架构师必须的雕塑和画家的情感,建立建筑必须有能力,计划,使用一个数学家的工具。作为建筑师解决结构性原则基础架构。然而,他们的主要职责在于方式在建筑方面,当我们描述一个结构简单的教堂,医院,机场大厅,一所房子。任何建议与问题特有的建立提供了一个架构师一个人的问题相关站点及其周边地区,客户的要求,和可用的材料,以及建筑的功能。一个程序,处理超过功能;它地址自己所有的问题体现在一个特定的建筑。
雕塑存在于三维空间,物质世界。但雕塑形象比建筑更接近于绘画。直到最近,雕塑主要关心人类和自然的表示形式他们代表。雕塑也可以体现愿景和理念和一贯神和人的图像最英勇以及大多数人类的方面。今天雕塑经常分配图形象,甚至图像本身,在新材料生产新形式和新技术。
雕塑可能与建筑密切联系,经常这样一个程度,使分离是不可能的。雕塑被称为浮雕时附加到背面板或背板;高救济如果数据或设计项目敢;浅浮雕,或浅浮雕,如果他们的项目
雕塑本身存在,独立于任何特定的架构框架或设置,通常被称为独立雕塑或“全面雕塑”虽然有多次在希腊的艺术和文艺复兴时期的独立雕塑密切联合架构。事实上,雕塑是一个强大的代理创建一个空间以及知识的环境,在城市广场或帕克和花园通常是“大气”或一般的控制因素的影响。
一些雕像是被视为一个整体可以走来走去。其他已经创建了只能从一个受限制的角度看。雕塑是如何看到当然必须考虑的雕塑家,和那些有工作。上面的照片是直接取自前面,随着现在在博物馆看到,而下一个是来自下面,在大约相同的角的雕像最初意味着托比在其表面上的佛罗伦萨大教堂的利基。
在雕塑,也许比任何其他媒介,纹理,或触觉值,是重要的。的第一个冲动总是处理一件雕塑,运行一个对其表面的图。雕刻家计划,使用各种各样的表面高低不平的粗糙打磨光滑。当然,纹理。经常固有的一种材料,这种影响类型的石头,木材,塑料,粘土,或精神雕塑选择。有两个基本类别的雕塑和添加剂。雕刻,例如,是一个主观的技术,最终形成减少的原始质量。添加剂雕塑,然而,在粘土是建立,通常围绕着一个电枢。块,发射和用于制造模具最终的材料如青铜铸的。套管是一种流行的技术,今天 是直接焊接形式的形状的薄荷建设,也是一个添加剂技术。
在雕塑家庭必须包括陶瓷和金属工作,和许多小,相关的艺术,这些都采用非常专业的技术,自己独特的词汇表。那些将被视为他们出现在文本中。
虽然建筑和雕塑的形式存在于实际,三维空间,绘画的形式(和它的亲戚,绘画,雕刻,等等)几乎完全存在于一个二维表面,艺术家创造的一种错觉——这是独特的艺术家的想象力和小对应任何见过的光的世界。人类发现电力工程三维世界的幻想在二维表面可以追溯到数千年,标志着一个巨大的一步,控制和操作感知的东西。实现这一错觉这个艺术家配置图像或表示来自世界的,常见的,视觉体验。整个艺术史这几乎一直在解释多种
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