The History of Animation:
Advantages and Disadvantages of the
Studio System in the Production of an Art Form
(by Michael Crandol) 'Animation should be an art....what you fellows have done with it is making it into a trade....not an art, but a trade....bad luck .' Thus Winsor McCay, father of the animated cartoon, pronounced the doom of the very industry he had inadvertently helped create.
From 1911-21 McCay nursed animation from a simple camera trick to full blown character animation that would take 20 years to be surpassed. McCay animated his films almost single-handed; from inception to execution each cartoon was his and his alone. He took the time to make his films unique artistic visions, sometimes spending more than a year to make a single five-minute cartoon. But the burgeoning world of cinema could not wait so long for so little, and so the modern animation studio came into being. The art of animation was no longer the work of one man, it was a streamlined, assembly-line process in the best Henry Ford tradition. But was the art of the animated cartoon sacrificed for the trade#39;s sake? That, of course, depends on the studios themselves.
Through the years several institutions have proven McCay#39;s prophecy at least partly false; indeed, without such positive collaborations of talent the art of animation would not have advanced to the level of sophistication it enjoys today. But who exactly was it 'bad luck' for: the art, or the artists themselves?
Even before McCay had shown the world the true potential of the animated cartoon in his landmark film 'Gertie the Dinosaur' (1914，A long-necked dinosaur to be molded into a girl), the first animation studios were already around, trying to exploit the medium for what they could. Raoul Barre#39; opened the first animation house in 1913, and within five years a new industry was born as more and more studios began to pop up around the New York metropolitan area.
Arguably the most successful and certainly the most influential of these early studios was the the John Bray Studio. Bray created the first successful cartoon series, Col. Heeza Liar, in 1914. Future studio heads Max Fleischer and Walter Lantz honed their skills here. But the studio#39;s most important contribution to the medium was the introduction of cels. The process of inking the animator#39;s drawings onto clear pieces of celluloid and then photographing them in succession on a single painted background was invented by Bray employee Earl Hurd in late 1914. In the first of what was to be many such incidents, the studio swallowed all the credit and most of the revenue for it#39;s underling#39;s contribution to the art form. Hurd lent his patent to boss John Bray, who charged royalties for other studios to use the process....an understandable business practice. Yet from an artistic standpoint this was as if Picasso had demanded exclusive rights to Cubism. It was a relatively moot point, however; the patent expired in 1932 and was not renewed. The only real loser, it seems, was Earl Hurd.
Like Hurd, Otto Messmer was another studio employee who never got due credit for his innovations. But whereas Hurd#39;s contribution to animation was a technical one, Messmer#39;s was an artistic creation that is still recognized the world over 80 years after it#39;s inception. Otto Messmer was employed by the Pat Sullivan Studio in 1916. Three years later he created Felix the Cat; it was a milestone in the development of animation as an artform. Not since Gertie the Dinosaur had a cartoon character exhibited such a degree of personality animation as Felix#39;s brooding, ponderous walk. But unlike Gertie, Felix was a studio character, which meant audiences could look forward to seeing him again and again, while affording Messmer and his co-workers the opportunity to explore the possibilities of ongoing character development in animation. Meanwhile, studio head Pat Sullivan took sole credit for the creation of Felix, earning millions of dollars in royalties over the years. Messmer continued to receive his usual salary. A quiet and unassuming man, Messmer never challenged Sullivan#39;s claim to be the father of Felix, even after Sullivan#39;s death in 1933. Indeed, Messmer probably would have taken the secret to his grave had not animation historian John Canemaker tracked him down in 1976 (the revelation produced quite a stir in animation circles....twenty years later the story was lampooned on an episode of 'The Simpsons').
For the first time a studio produced what may be considered true art, but in doing so took the credit usually given to the artist.So it seems that advantages and disadvantages obviously.
Hands Down the most influential studio (from an artistic as well as a commercial standpoint) in the history of animation is the Walt Disney Studio, which exploded onto the scene in 1928 with Mickey Mouse in 'Steamboat Willie' and continued to dominate the field to this very day. It is at Disney that we see the studio system#39;s best and worst effects on the development of animation as an art form.
Walt Disney was bon in Chicago,on December 5,1901. Have to say he is an American original.Without Disney#39;s streamlined organization of talent and creative collaboration the animated cartoon could never have advanced as rapidly or as beautifully as it has....yet, as at the Bray and Sullivan studios, in the process many of the men responsible for the studio#39;s achievements remain anonymous and forgotten. Had Disney animators Vladimir Tytla and Freddie Moore been alive during the renaissance their names might well have been numbered among Da Vinci and Michelangelo. For all their accomplishments, however, they remain totally eclipsed by the titanic figure of Walt Disney.
Walt Disney#39;s first important contribution to animation was to move his studio to Hollywood in 1923. Los Angeles had become the center of live-action filmmakin
动画历史
工作室体系在艺术形式制作中的利弊分析
迈克尔·克兰多尔说过“动画应该是一种艺术......你们所做的事情就是让它成为一种交易......不是艺术，而是交易......运气不好。” 因此，动画片之父温莎·麦凯（Winsor McCay）宣称他无意中创造了这个行业的厄运。
从1911年到1921年，麦凯把动画从一个简单的相机技巧变成了完整的角色动画，这需要20年的时间才能被超越。麦凯几乎是单枪匹马为自己的电影制作动画;从《盗梦空间》到《执行》，每一幅漫画都是他的，也是他自己的。他花时间制作他的电影独特的艺术视野，有时花一年多的时间制作一个五分钟的卡通。但是，蓬勃发展的电影世界不能等这么久，等待这么少，所以现代动画工作室应运而生。动画艺术不再是一个人的作品，它是亨利·福特(Henry Ford)最优秀传统的流水线流程。但是，动画艺术是为了交易而牺牲的吗?当然，这取决于电影公司本身。
多年来，一些机构已经证明麦凯的预言至少部分是假的; 事实上，如果没有这种积极的人才合作，动画艺术就无法达到今天所享有的复杂程度。 但究竟是谁的“坏运气”:艺术，还是艺术家自己?
McCay之前向世界展示了动画的真正潜力在他的里程碑式的电影“格蒂恐龙”(1914年,一个长颈恐龙被塑造成一个女孩),第一个动画工作室已经在试图利用他们的媒介。1913年，拉乌尔·巴雷(Raoul Barre)开设了第一家动画工作室，五年内，随着越来越多的工作室开始在纽约大都会区涌现，一个新的产业诞生了。
可以说，这些早期工作室中最成功，最有影响力的是John Bray工作室。 Bray于1914年创作了第一部成功的卡通系列剧“Heeza Liar”。未来的工作室负责人Max Fleischer和Walter Lantz在这里磨练了他们的技能。但工作室对媒体的最重要贡献是引入了cels。将动画师的绘画印在透明的赛璐珞片上，然后在一个彩绘的背景上连续拍摄它们的过程是由Bray员工Earl Hurd在1914年末发明的。在第一个很多这样的事件中，工作室吞下了所有它的信用和大部分收入都是对艺术形式的贡献。赫德向老板约翰布雷提供了他的专利，后者为其他工作室收取版税以使用该流程......这是一种可以理解的商业行为。然而从艺术的角度来看，这就好像毕加索曾要求立体主义的专有权。然而，这是一个相对有点的问题;该专利于1932年到期，并未续签。看来唯一真正的失败者是伯爵赫德。
像赫德一样，奥托梅斯默是另一位工作室员工，他的创新从来没有得到应有的信任。但是赫德对动画的贡献是技术性的，而梅斯默是一个艺术创作，在它诞生80多年后仍然被认可。奥托梅斯默于1916年受雇于Pat Sullivan工作室。三年后，他创造了Felix the Cat;它是动画作为艺术形式发展的里程碑。自从恐龙的格蒂（Gertie the Dinosaur）有一个卡通人物展现出如费利克斯沉思，沉重的步行那样的个性动画。但与Gertie不同，Felix是一个工作室角色，这意味着观众可以期待一次又一次地看到他，同时为Messmer和他的同事提供探索动画中持续角色发展的可能性的机会。与此同时，工作室负责人帕特沙利文（Pat Sullivan）因为菲利克斯（Felix）的创立而获得了一席之地，多年来获得了数百万美元的版税。梅斯默继续领到他平常的工资。即使在沙利文于1933年去世之后，梅斯默也是一个安静而不张扬的男人，从未挑战沙利文声称自己是菲利克斯的父亲。事实上，如果没有动画历史学家约翰·卡内梅克在1976年跟踪他，那么梅斯默可能会将这个秘密带到他的坟墓（在动画界，这一启示引起了不小的轰动......二十年后，这部故事在“辛普森一家”的一集中被讽刺。
一个工作室第一次创作出了被认为是真正的艺术作品，但这样做却把通常被认为是艺术家的功劳据为己有。所以似乎优点和缺点很明显。
在动画史上最具影响力的工作室（从艺术和商业的角度来看）是沃尔特迪斯尼工作室，它于1928年在“汽船威利”中以米老鼠的形式在现场爆炸，并继续在该领域占据主导地位。 这一天。 在迪斯尼，我们看到工作室系统对动画作为艺术形式的发展的最佳和最差影响。
沃尔特·迪斯尼于1901年12月5日在芝加哥出生。 不得不说他是一个美国动画开创者。没有迪士尼精简的人才和创意合作组织，动画片就不可能像现在一样快速或精美地进步......但是，就像Bray和Sullivan工作室一样，在这个过程中 许多负责该工作室成就的人仍然是匿名和遗忘的。 如果迪斯尼动画师弗拉基米尔泰特拉和弗雷迪摩尔在文艺复兴时期活着，他们的名字很可能在达芬奇和米开朗基罗之间。 然而，尽管他们取得了所有成就，但他们仍然完全被华特迪士尼的华丽人物黯然失色。
沃尔特·迪斯尼对动画的第一个重要贡献是在1923年将他的工作室搬到了好莱坞。洛杉矶已经成为真人电影制作的中心，但动画行业依然扎根于纽约（有一些工作室分布在整个中西部，就像迪士尼的）。 陪同他离开堪萨斯城的是Hugh Harman和Rudy Ising，他们最终将找到华纳兄弟和米高梅动画公司。 这三家工作室将成为动漫产业的领导者。迪士尼迁移到加利福尼亚的决定是动画作为企业发展的关键转折点。
迪士尼工作室的艺术成就源于沃尔特与其员工之间的一种共生关系。 像其他工作室负责人一样，沃尔特得到了公众对工作室工作的全部关注和赞扬，但与他的许多同事不同，他至少对工作室的成就负有部分责任。 他当然是一位电影远见者，并且因其引入最新的声音和色彩创新而备受赞誉。
沃尔特是带领漫画从无声电影时代“胶管”风格的(因此被称为因为人物不考虑搬到解剖学,好像所有的四肢是橡胶软管),并鼓励他的艺术家发展现实,自然主义风格的动画在1930年代早期。他是诸如《白雪公主与七个小矮人》(1937)和《木偶奇兵》(1940)等开创性电影背后的推动力量。《白雪公主与七个小矮人》是第一部完整的动画长片，而《木偶奇兵》则是一部许多动画师认为技术水平从未被超越的错综复杂的电影。但让迪士尼的想法成为现实，则取决于工作室的艺术家们。
弗雷迪·摩尔在1935年的电影《the Band Concert》中对米老鼠的重新定义，引领了动画向现实主义运动的发展。如果没有奥利·约翰斯顿(Ollie Johnston)、弗兰克·托马斯(Frank Thomas)、埃里克·拉尔森(Eric Larson)等人精心打造的角色动画，迪士尼的《淑女与流浪汉》(Lady and the Tramp, 1955年)和《奇幻森林》(the Jungle Book, 1967年)等影片不可能取得成功。弗拉基米尔·泰特拉(Vladimir Tytla)在《幻想曲》(Fantasia, 1940)的《秃头山之夜》(the Night on Bald Mountain)系列中对恶魔切尔纳博格(Chernabog)的演绎，很可能是有史以来最伟大的动画作品。这些才华横溢的人，与他们的领袖的远见卓识相结合，完成了温索尔·麦凯(Winsor McCay)认为不可能完成的任务:在工作室里展示高雅的艺术。
当然，所有这一切的缺点是，工作室负责人再次因为他的艺术家作品获得了所有的认可。然而，在迪士尼的案例中，这似乎并不是因为高管的贪婪。沃尔特当然不介意所有的关注，但他似乎已经认识到他的艺术家对他的成功的重要性。然而直到今天，迪斯尼的工作人员仍然不为公众所知(你知道大卫·汉德执导过《白雪公主》吗?)这似乎是一个不幸的副作用，在动画工作室的发展，个人对媒体的贡献应该没有信誉。
华纳兄弟(Warner Bros.)旗下卡通巨作《鲁尼的旋律》(Looney Tunes)和《梅里的旋律》(Merrie Melodies)的幕后主创们成功地克服了种种困难，在公众眼中获得了一定程度的关注。不过，也许这是因为他们有像弗里兹·弗雷伦、特克斯·艾弗里和查克·琼斯这样不同寻常和与众不同的名字。但这样说就会贬低他们的成就，在动画黄金时代的历史上，艺术家的名字第一次超过了制片人的名字。
“Looney Tunes”开始于1930年迪士尼选择Hugh Harman和Rudy Ising与制片人Leon Schlesinger合作制作漫画，由Warner Bros发行。三年后，Harman和Ising离开组建了MGM卡通工作室，以及Schlesinger和他的艺术家 继续靠自己。 与其他渴望成为众人瞩目的工作室负责人不同，施莱辛格（及其继任者埃迪塞尔泽）似乎只关心赚钱。 他把它交给他的导演和动画师去见新闻界，并在办公室给予他们完全的艺术自由......只要它在预算之内。
华纳艺术家利用他们的创作自由将媒介带入了新的方向。 导演Tex Avery和Bob Clampett打破了迪士尼的传统，其他工作室已经开始模仿并用极度夸张的闹剧喜剧吸收他们的电影。 在Avery的“Porky#39;s Duck Hunt”（Daffy Duck的第一次出镜，1937年）和Clampett的“Porky in Wackyland”（1938）中，角色最初出现在自然主义的迪士尼学校，但是经常被扭曲超出所有理性，无视 每个物理定律对于喜剧效果。 其他华纳艺术家立即采用了这种风格，最终所有其他工作室，甚至迪斯尼都采用了这种方法。 最终证明Slapstick是最适合的戏剧类型动画。
与迪士尼一样，华纳兄弟工作室将装配线艺术系统转变为优势，并将他们的才能合作，将艺术提升到更高的水平。 没有比在Bugs Bunny的创造和发展中更好的放松，可以说是有史以来最伟大的卡通人物。 花了超过10年的时间和30部电影，让Bugs的个性融入他今天的温文尔雅的喜剧英雄。 在此期间，他被不同的导演不断调整，并由不同的动画师多次重新设计，特别是Bob McKimson。 到1950年，华纳的三个动画部门已经就Bugs是谁以及他的样子达成了共识; 虽然每个单位都制作了自己的漫画，但每次都是同一个Bugs Bunny。 如果没有Jones，Freleng等人的串联才能，那么Bugs就不可能完全充实他最终成为的角色。
正是当动画最终向电视迈进时，艺术才真正开始为商业而受苦。 30年代，40年代和50年代的好莱坞电影制片厂都是真正有兴趣制作高质量电影的人。 60年代，70年代和80年代的电视动画公司的居民只关心产品是否在市场上销售。 写作的质量很差，动画本身往往非常有限，根本就没有动画作为动画。 麦凯的预言终于成功了。
1949年杰伊·沃德的“十字军兔子”以来专门为电视制作的漫画一直存在，但电视动画的制作并没有真正发挥作用，直到大约1960年，当时大多数电影动画片工作室关门了。 比尔·汉纳和乔·巴巴拉，前米高梅董事和汤姆和杰瑞的创造者，几乎从一开始就主导了市场，并在20世纪70年代继续这样做。
不幸的是，汉娜和芭芭拉从来没有理解过，仅仅因为某件事一次奏效，并不意味着同样的事情会一次又一次奏效。在他们一起在米高梅的20年里，除了《猫和老鼠》动画片，他们什么都没做。但至少《猫和老鼠》的动画效果很好，剧本也写得很巧妙。
二人组合的电视节目质量相当低（人们感觉他们仅仅因为没有更好的成功而感到成功），而且每次成功节目的无数自我模仿都是彻头彻尾的糟糕。 尽管它是平面的，一维的人物和坎坷的公式化故事，“Scooby-Doo”在1969年证明非常受欢迎，所以Hanna-Barbara制作了“Speed Buggy”，“Jabber Jaw”和“The Clue Club”，这些都是 相同的字符和主题的变化。 “摩登原始人”生了“Jetsons”，而“蓝精灵”生了“The Snorks”。 这是一个阻碍创造力的过程，让艺术家更少有机会将生活融入他们的作品中。
像Filmation和DIC这样的其他电视动画片工作室被证明比Hanna-Barbara更好甚至更差。 不顾一切地征服尽可能多的播出时间，电影公司在不考虑审美的情况下制作了一系列连续剧。 20世纪80年代后半期，迪斯尼和华纳兄弟的两个大工作室进入市场，情况有所改善。 像迪士尼的“DuckTales”（1986）和华纳的“Tiny Toon Adventures”（1989）这样的节目比竞争对手的产品要好得多。 然而，他们仍然完全没有完成本世纪上半叶为电影制作的伟大漫画。 电视业的预算限制和匆匆的最后期限只是禁止艺术家制作他们的电影前辈所达到的那种艺术。
最后在20世纪90年代，电视动画行业的艺术家们开始弄清楚如何有效地利用该领域的局限性。 1992年，华纳兄弟首次亮相“蝙蝠侠：动画系列”。 尽管该动画与各种东方工作室签约（到80年代中期，这种做法在电视制作中几乎普及......今天仍然如此）该节目的创作者布鲁斯·蒂姆，保罗·迪尼，埃里克·拉多姆斯基和其他人 设法以独特的视觉风格注入系列。 结合深刻的刻画和强烈的故事，“蝙蝠侠”是一流的卡通片。 虽然他们没有像迪斯尼的戏剧部那样吸引人，但华纳兄弟的电视艺术家对动画艺术同样重要，这表明即使是电视动画片系列也能达到艺术成就。
回到大屏幕上，媒体面临着一系列不同的问题。 由于电视人的出现不再花费一整天的电影，而短期的主题逐渐从账单上掉线。 虽然动画从未完全从影院中消失，但到了20世纪60年代，大部分工作室都关闭了; 那些没有严重下降质量的人。 只有迪士尼保留了它的卓越水平，但迪斯尼在50年代中期之前就已经停止了全职短片制作，比其他任何人都要早。 虽然偶尔有非迪士尼动画片，但没有其他工作室定期制作它们。 到了20世纪80年代，没有一家工作室全职制作短片，甚至迪斯尼电影都失去了吸引力。
新一代的迪士尼艺术家通过电影如“谁陷害了罗杰兔子？”重新回归动画片。 （1988）和“小美人鱼”（1989）。 这些精心设计的漫画是动画片辉煌岁月的庆祝活动，公众被证明与艺术家本身一样怀旧。 迪士尼的新工作人员证明了工作室系统仍然能够创造出伟大的艺术。 事实上，工作室系统的主要缺陷，缺乏艺术家的认可，消散了。 老制作人大亨已经一去不复返了，没有沃尔特迪斯尼公众的注意力最
资料编号：[3937]
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