Understanding works of art
-Styles of Art from Renaissance to Baroque
The Early Renaissance（早期文艺复兴）
The 14th century and 15th century Italy witnessed a clear shift from the art
Of the Middle Ages to a rebirth, or Renaissance, of the Classical styles of
ancient Greece and Rome. The religious fervor was increasingly modified by
logical thought and the new philosophical, literary, and artistic movement
called Humanism. Accompanied by a flourishing economic situation against a
divided and chaotic political background, the humanist enthusiasm for Classical
antiquity and a growing secularism （世俗主义) led to revolutionary thinking in
many areas. In art, new and more scientific approaches were taken to achieve
representational accuracy. Classical sculptures and architecture were carefully
studied for their principles of harmony and symmetry. To these were added a
new understanding of perspective based on rediscovery of Euclidian geometry
（欧几里德几何) from Classical Greece. New values combined with technological
advances brought forth an abundance of major artworks. Artists, who had been
treated as nameless craftsmen during the medieval time, came to be seen as
Creative individuals.
About one hundred years after Giotto, Masaccio(马萨乔) became the first
major Painter of the Italian Renaissance. In his fresco The Holy Trinity(圣三位
一体) , Christ is flanked by the Virgin, St. John the Evangelist, and the two kneeling donors (捐献者). A11 the figures are now clothed nudes, with garments draped like real fabric. Below, a skeleton is shown lying on a sarcophagus with the inscription in Italian, 'I once was what you are, and what I am you also will be.”In the form of a cadaver tomb,the memento mori (死亡的警告）indicates that the painting was meant to serve as a lesson to the viewers. Since all would die, only their faith inthe Trinity would allow them to overcome the brevity of life. Importantly, this fresco was the first painting based on the systematic use of linear perspective, which was formulated into a consistent science by the architect Filippo Brunelleschi (利波 .伯鲁内列斯基) in Florence early in the 15th century. Masaccio#39;s contemporaries were struck by the realism of this fresco, as was Giorgio Vasari (乔治奥 .瓦萨里)who lived over one hundred years later. Vasari wrote that “the most beautiful thing, apart from the figures. is the barrel-vaultcd ceiling drawn in perspective and divided into square compartments containing rosettes foreshortened and made to recede so skillfully that the surface looks as if it is indented.' Another amazing thing about this painting is the use of Classical elements in architecture. Masaccio borrowed much from the new Renaissance buildings based on Roman prototypes.
Relief sculpture, like painting, was capable of representing deep space through the scientific perspective. In Lorenzo Ghiberti#39;s（洛伦佐 .吉贝尔蒂） The Gate.s of Paradise
之门) for the Baptistery in Florence, we see the same concern for rich detail, humanity, and perspective in Florentine painting. Trained as a goldsmith and painter, creates beautiful surfaces with delicate and careful details. He also conveys a tremendous sense of space in each of the ten panels.In The Story of Isaac, Esau, and Jacob , for example, he usesreceding arcades (向后延伸的连拱柱廊 ) to create perspective and depth.Ghibcrti#39;s great innovation was to conceive the architecture and the figures on the same scale as they would appear to the eye. The figures in the foreground
look larger and those in the distance smaller. The arches and pilasters were
inspired by Roman architecture as interpreted by Brunelleschi. From left to
right in the foreground are scenes of women attending the birth of the twins
Esau (以扫) and Jacob (雅各) , Isaac (以撒) sending Esau on the hunt, and then
Jacob is receiving Isaac#39;s blessing, while Rebecca (丽贝卡)is standing at the
right. In the background from left to right we see Rebecca in labor, Esau and
his bow, Rebecca speaking with Jacob, and then Esau on the hunt. On the
rooftop in the upper right, Rebecca receives the prophecy (预言 ) of her sonsrsquo;
future conflict.
The Early Renaissance sculptors developed the skills to create images of
high verisimilitude (逼真) . A new interest in anatomy was reflected in sculpture
as well as painting. Freestanding statuary returned to dominance. However,the
goal was not the same as that of the Greeks who idealized the human form.The
Renaissance sculptor found his ideal in individualism. The famous 15th-century
Italian sculptor Donatello (多纳泰罗) successfully brought the Greek ideal into
the Christian context. His bronze figure of David(大卫像） was the first lifesize,
freestanding nude statue since Roman times. However, as elegant and natural as the
Greek and Roman nude, Donatello#39;s sculpture was less idealized and more realistic than ancient predecessors. The biblical adolescent shepherd David killed the Philistine giant Goliath (腓力斯巨人哥利亚 ) and later became king of the Jews. The subject of such a work was intended to symbolize Christ#39;s triumph over Satan. However, instead of the image of a Christian hero, Donatello chose to portray the sensuality of the boy#39;s body by clothing him only in hat and boots. The figure#39;s stance is
derived from the Classical contrapposto, but reveals a sensual appeal and beauty. The theme is no longer the legend of David and Goliath,but primarily an inquiry into
Aspects of the human form.
In addition to Christian themes ,Renaissance artists also turned to the Greek and Roman mythology for subject matter,
as did many Renaissance poets. In the case of La Primaveta(春),
the Florentine painter Sandro Botticelli（桑德罗.波提切利）chose to tell the
story of spring as the season of romantic attracti
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理解的艺术作品
-从文艺复兴到巴洛克的艺术风格。
意大利文艺复兴早期(早期文艺复兴)
14世纪和15世纪的意大利见证了艺术的明显转变。
中世纪的复兴，或文艺复兴时期的古典风格。
古希腊和罗马。宗教热情日益受到影响。
逻辑思维和新的哲学、文学和艺术运动。
被称为人文主义。伴随着繁荣的经济形势对a。
分裂和混乱的政治背景，人文主义对古典的热情。
古代和世俗主义(世俗主义)导致了革命思想
许多地区。在艺术领域，人们采取了新的、更科学的方法来实现这一目标。
表征精度。古典雕塑和建筑都是精心设计的。
研究它们的和谐和对称原则。这些加了a。
基于欧几里德几何的重新发现对透视的新理解。
(欧几里德几何)从古典希腊。新价值观与技术相结合。
进步带来了大量的艺术作品。艺术家,曾
在中世纪，被视为无名的工匠，被视为是。
创造性的个体。
大约一百年前,乔托,马萨乔(马萨乔)成为第一个
意大利文艺复兴时期的主要画家。在他的壁画三位一体(圣三位
一体),基督是两侧的处女,福音传教士圣约翰,两个跪捐助者(捐献者)。现在的数字都是裸体的，衣服就像真正的布料一样。下面，一具骷髅躺在石棺上，上面写着意大利文:“我曾经是你，我也是你。”“在尸体的坟墓的形式,死的象征(死亡的警告)表明,这幅画是为了作为一个教训的观众。因为所有人都会死，只有他们对三位一体的信仰才能让他们克服生命的短暂。重要的是,这幅壁画是第一个画基于线性的系统使用的角度来看,科学制定成一个一致的建筑师菲利普·布鲁内莱斯基监督完成(利波。伯鲁内列斯基)在15世纪早期在佛罗伦萨。马萨乔同时代的人都被这壁画的现实主义,就像乔治·瓦萨里(乔治奥。瓦萨里)住在一百年后。瓦萨里写道:“除了数字之外，这是最美丽的东西。”这是一种圆形的拱顶天花板，它是透视的，被划分成正方形的格子，里面有一些圆形的花饰，这样就可以很巧妙地让它的表面看起来像缩进一样。这幅画的另一个神奇之处是古典元素在建筑中的运用。马萨乔从新的文艺复兴时期的建筑中借鉴了很多罗马的原型。
浮雕像绘画一样，能够通过科学的视角来表现深邃的空间。在吉贝尔蒂所雕刻的(洛伦佐。吉贝尔蒂)。年代的天堂
佛罗伦萨之门)洗礼堂,我们看到相同的丰富细节,关心人类,和观点在佛罗伦萨绘画。训练有素的金匠和画家，创造美丽的表面，精致细致的细节。他还在每十个面板中传达了一种巨大的空间感。在艾萨克的故事,以扫和雅各,例如,他usesreceding拱廊(向后延伸的连拱柱廊)创建的角度和深度。Ghibcrti的伟大创新是构思建筑和数字，就像他们在眼睛里看到的一样。前景中的人物。
看起来更大，距离更小。拱门和柱子都是。
由布鲁内斯基解释的罗马建筑启发。从左到
在前景中，是女性参加双胞胎出生的场景。
以扫(以扫和雅各(雅各),艾萨克(以撒)发送扫狩猎,然后
雅各在接受以撒的祝福,而丽贝卡(丽贝卡)是站在
正确的。在从左到右的背景中我们看到了瑞贝卡的劳动，以扫和。
他的弓，丽贝卡与雅各说话，然后以扫寻找猎物。在
屋顶在右上角,丽贝卡接收预言(预言)她的儿子的
未来的冲突。
早期的文艺复兴时期的雕塑家们开发出了创造图像的技巧。
高逼真(逼真)。对解剖学的新兴趣体现在雕塑上。
以及绘画。独立的雕像重新占据统治地位。然而,
目标与理想化人类形态的希腊人的目标不一样。
文艺复兴时期的雕刻家在个人主义中找到了他的理想。著名的15世纪
意大利雕塑家多纳泰罗(多纳泰罗)成功地将希腊理想带入
基督教的背景。他的青铜大卫(大卫像)是第一个原尺寸的,
自罗马时代以来，独立的裸体雕像。然而，它又优雅又自然。
希腊和罗马的裸体，多纳泰罗的雕塑不那么理想化，比古代的更现实。圣经青少年牧羊人大卫杀死了非利士巨人歌利亚(腓力斯巨人哥利亚),后来成为犹太人的王。这个作品的主题是为了象征基督战胜撒旦。然而，Donatello并没有像一个基督教英雄那样，而是用帽子和靴子来描绘这个男孩身体的性感。图的立场
源自经典的对比，但揭示了感官的吸引力和美感。主题不再是大卫和歌利亚的传说，而是主要的调查。
人类形体的各个方面。
除了基督教的主题，文艺复兴时期的艺术家们也转向希腊罗马神话题材，
和许多文艺复兴时期的诗人一样。在La Primaveta(春)
佛罗伦萨画家桑德罗·波提切利(桑德罗。波提切利)选择告诉
《春天的故事》是浪漫的吸引人的季节。场景的动作。
从右到左，金星在中心，掌管一切。在
正确的,女神之版图(春天,花卉和自然女神克洛里斯)是所追求的
泽费罗斯(西风之神泽费罗斯),西方的神风吹的季节
春天。版图,旁边是女神植物(花神弗罗拉),版图,很快
转换成。根据罗马作家奥维德(古罗马作家奥维德),
植物是怀孕并驱散花瓣多产的象征(生殖力)。
在他的母亲维纳斯上空盘旋，丘比特被蒙住了眼睛，正要向他开枪。
箭头的中心人物三雅(代表妩媚,优雅和美丽的三女神)
在左边。她的眼睛被信使的美丽吸引住了。
汞(众神信使墨丘利)在左边。因此，既有男性，也有男性。
女性景点加上丰富的水果和鲜花传递的寓意。
春天和生育能力。波提切利对理想化的美的抒情描述很清晰。
创新。此外，该作品还显示了与哥特风格的某些联系。
传统，比如二维的背景，
图形的延伸，浅层的造型，以及拥挤的空间。
第一个文艺复兴时期的建筑天才是菲利普·布鲁内莱斯基监督完成(菲
利波。伯鲁内列斯基),据了解,科学发展
线性系统的视角。一个受过训练的金匠，他的成就。
包括雕塑，数学，工程，甚至船舶设计，以及。
建筑作品。他尤其以建造圆顶而闻名。
佛罗伦萨大教堂(“大教堂”,大教堂,圣母百花大教堂,圣司百花
大教堂)。他在建筑中使用古典建筑主题和主题。
的Ospedale degli Innocenti(孤儿院),帕奇教堂(巴齐礼拜堂),和
圣洛伦佐(圣。洛伦佐教堂,图的纯)。圣洛伦索是埋葬之地。
美第奇家族，在教堂后面有他们的家庭小教堂。
Brunelleschi的设计利用了一个完整的柱形系统。
在室内，给人一种凉爽、通风的感觉。重点放在了上面。
水平和清晰度。整个建筑,
比例始终在l: 2的比率中。这殿的高度是它的两倍。
宽,商场(连拱柱廊)和天窗(天窗)是平等的高度,哪个
意味着拱廊的高度等于nave的宽度，等等。
设计的效果不再是哥特式教堂那种高耸入云的戏剧。
现在的焦点更多地集中在人类身上。回到经典的比例法则，
它表达了以理性和秩序为价值的人文精神。
利昂·巴蒂斯塔Albcrti(莱昂。巴蒂斯塔。阿尔伯蒂)是下一个伟大的
早期文艺复兴的建筑师。一个有许多才能和第一的人。
人文主义艺术的理论家，他的建筑展示了他想要重新获得古罗马建筑的形式和雕刻的品质的欲望。桑特#39;Andrea的教堂(圣安。德烈亚教堂)被认为是阿尔贝蒂最年后变化和扩张。立面，在一个正方形内，是根据计划的。
古罗马拱门的提图斯(提图斯凯旋门)。它的定义是一个大的中央拱门，两侧是科林斯柱。拱门的左边和右边都有较小的开口。设计的一个新方面是拱形门框的结合，把科林斯柱塞进了一个巨大的结构中，上面有更高的、没有凹槽的柱子。正面是一个古典的山墙，然后是一个巨大的桶拱顶。这样一种结构的目的并不为人所知，但很可能是用来促进窗户的开口。主入口的深度和宽度一样，它的尺寸被用作内部测量的基本单位。阿尔伯蒂的立面设计也与室内立面相呼应。内殿的屋顶由一个桶形拱顶和桶形拱顶组成，取代了传统的长方形走廊。与立面一样，凯旋门和拱廊都有交替的高拱门和低方形的开口。
在意大利文艺复兴盛期(意大利盛期文艺复兴)
在意大利短暂的文艺复兴时期，
大约从1490年到1520年，一些以罗马为中心的艺术家创作了一些作品。
这是世界上最伟大的艺术。远离程式化的。
早期的神圣艺术的惯例，他们都被古典音乐所熟知。
传统，但不受古代教义的约束。许多艺术家
参与了这一辉煌的创意努力，但最杰出的人物。
其中无疑是列奥纳多·达·芬奇(列奥纳多。达。芬奇)。
拉斐尔Sanzio(拉斐尔。桑西),和米开朗基罗(义米开朗基罗。
博那罗蒂)。在他们之外，还有许多其他的性格的人在进化。
术语“文艺复兴人”- - -一个对许多人都非常了解的人。
不同的，通常是完全不相关的东西。例如，列奥纳多是一个。
无与伦比的天才画家，发明家，雕刻家，建筑师，工程师，科学家，
音乐家,和全面的知识。许多人认为他是最棒的。
天才。在他漫长的一生中，他一直被他所吸引。
关于事物如何运作的问题，以及它们如何运作的问题。
列奥纳多调查的一个典型例子是著名的维特鲁威人。
(维特人),他试图建立人体通过相关的理想比例完美的正方形和圆的几何。定义的图站在一个方框里他的身高和双臂张成的空间,和一个圆集中在他肚脐(肚脐/中心点),这显然是受到古董认为数值关系举行美容的关键,和完美的人类的比例反映了神圣的秩序。莱昂纳多指出,当你打开腿,以减少你的身高by1/14,开放和提高你的手臂,你的中指触摸线穿过头顶,知道的中心延伸四肢的末端将特有的“镜像书写”(镜像书写),他会用他的笔记和日记。
李奥纳多对数学的兴趣也从他的谨慎中可见一斑。
呈现的观点。在第一章中，我们对他的杰作进行了最后的检验。
晚餐，用一个点线性的视角来组织许多人物。
把它们组成一个深的空间。然而,在这壁画,
人的形象，而不是几何学和建筑是焦点。的图
基督统治着绘画的中心，形成一个稳定而活跃的，
中央三角形。所有的线条，真实的和含蓄的，从脸部向外延伸。
在基督里，停在不同的从属的焦点区域，被引导回到。
工作，回到中心人物。各种姿势，手的姿势，和。
门徒的分组引导视线从一个点到另一个点。数据出现
从阴暗的建筑背景中强烈的重音解脱;没有什么
把这些东西锚定在房间的地板上。这
几何构图是令人惊奇的，因为如此多的戏剧可以表达。
在这样的数学模式下，反映了达芬奇自己的湍流。
生活和个性。这位艺术家把每一个人都描绘成一个个体。
以一种不同的、心理的方式反应。
列奥纳多将艺术家的目光投向了绘画的新可能性。
拉斐尔的几何构图是由达芬奇创作的，他的作品是有机的。
系统的表现，以及他对明暗的巧妙运用。在他著名的阿尔巴。
麦当娜(阿尔巴圣母),拉斐尔结合新老与自己的影响
创造性的想象力。例如，这幅画的圆形图案很受欢迎。
在佛罗伦萨，这幅画看起来和他同时代的人很不一样。处女座的姿势与古典雕塑相似。她不再穿现代的衣服，而是穿罗马的头巾、凉鞋和飘逸的长袍。风景已经变成了。
一个理想化的古典音乐。罗马坎帕尼亚大区的视图(乡村)。圣母
画在所谓的“谦逊的麦当娜”(谦逊的圣母),
这是文艺复兴时期的普遍现象。她直接坐在地上。
在天上的宝座或豪华的坐垫上。这些数字归为a。
低矮的金字塔，不仅主宰着空间，而且似乎是自然环境的一部分。设计的和谐与平衡是在拉斐尔的能力中发现的，它能使画的圆形形态与数字的三角形排列和后面的强水平线保持稳定。
所有手势和眼神的焦点都集中在基督孩子的手势上。
从施洗者那里接受十字架，这实际上定义了工作的意义。
教会的教义认为，自他出生以来，基督就有了一个“下体”。
站在他的命运。”
米开朗基罗的作品充满了强烈的个人主义色彩，颂扬了他的作品。
神圣的个体。数百年之后，人们仍然深受感动。
米开朗基罗的《圣母怜子图(圣基督),雕刻时,他只有24岁。
这位年轻的艺术家与赞助人的合同说明了这个完整的团体。
应该是罗马最美丽的大理石作品。最后形成明显
以一种前所未有的方式完成了合同的条款。它演示了一个
艺术表现艺术的强大指挥。圣母玛利亚坐在一块岩石上，把她儿子的尸体从十字架上取下来。在她的左手张开的姿态下，圣母向我们献上了她儿子的祭品。由于其伸展的布料和四肢的角度排列，其工作被连贯地分解成稳定的金字塔结构。但同时，双重雕塑也是一种内在运动和活力的表现，是一种强烈的情感的实现。米开朗基罗认为人的身体是灵魂的监狱，在表面上是高贵的，在内心深处是神圣的渴望，并认为雕刻是一种从没有生命的石头中解放出来的生命形式。
除了他的解剖学和情感强大的雕塑，
米开朗基罗还用一种尴尬的方式描绘了西斯廷教堂巨大的天花板。
upward-looking位置。也许是文艺复兴的极端例子。
人类自由的理想，米开朗基罗拒绝被传统束缚。
或者其他人的标准，只认识到他自己神圣的天才。
他对美的渴望是他的向导。米开朗基罗和柏拉图一样相信，
艺术家的手的形象必须从他的头脑中产生。的lt;
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